Polanski, en riguroso orden (II)

De título de culto en título de culto. La traslación de Beckett al cine (de hecho el co-guionista Gerard Brach y Polanski pensaron en titularla Esperando a Katelbach), o cuanto menos la exquisita traducción en imágenes de un peculiarísimo libreto construido sobre el más surreal y particular sentido del humor.

Polanski reconoce que, en sus jóvenes años de realización de cortometrajes en Polonia, el único arte "libre" que podía llegarles desde fuera lo hacía con la forma del Surrealismo. Su influencia es patente aquí, si bien Brach y Polanski lo extreman y magnifican, llevándolo al terreno del puro absurdo, frío y cómico al tiempo.

El ambiente del rodaje no fue precisamente bucólico, de hecho entre varios actores las relaciones fueron más que complicadas, pero esto incluso benefició a los enfrentamientos en pantalla de varios de ellos. En cuanto al rol femenino, Polanski contó con Françoise Dorleac, hermanísima de Catherine Denueve y que luego fallecería, muy joven, en accidente de tráfico.

Una de mis películas preferidas de Polanski, llena de momentos inolvidables (la "bicicleta"; las omnipresentes gallinas; el coche cubierto por la marea; Donald Pleasance sobre la roca, encorvado como un ave; y un largo etcétera).

#4 - El pianista

Una de sus películas más prestigiosas, aunque lógicamente marcada por su propia temática. Años antes Polanski se negó a dirigir La lista de Schindler (bajo producción de Spielberg) porque ésta se ambientaba en el gueto en el que él estuvo confinado: Cracovia. El pianista, en cambio, se centra en una personalidad muy concreta, muy firme, la del pianista Szpilman, y se ambienta en el gueto de Varsovia. Polanski decidió así, con esa necesaria pero justa distancia, que había llegado el momento de abrir la puerta a sus recuerdos para exorcizarlos Cine mediante.

El resultado es una película redonda, muy sentida, muy académica. Su segundo tramo es quizá el más interesante desde un punto de vista novedoso, convirtiendo a Szpilman en una suerte de Robinson Crusoe, sobreviviendo en soledad en el abandonado gueto de Varsovia.

Es la película que devolvió a Polanski al Olimpo del Cine, incluyendo el Oscar a Mejor Director en suelo maldito para él: Estados Unidos.

#3 - Tess

Obra maestra incontestable. Tess es una película de ritmo lento, extremadamente pausado, pero con un control absoluto del detalle, una capacidad descriptiva del entorno histórico y social (la realidad agrícola de la época) innegable y con una emotividad controlada y hermosa, muy sentida. Hay mucho del carácter de Polanski en Tess, de los D'Uberville (ese era el título de la novela de Thomas Hardy), así como él asegura que lo había en el carácter de Sharon Tate.

Fue el libro que ella le recomendó varias veces antes de morir. Con el tiempo, Polanski lo recuperó y se lo dedicó ("to Sharon", rezan los créditos iniciales justo antes de desaparecer). Para protagonizarlo, en un rodaje que se alargó y encareció más de lo esperado, el director polaco descubrió a Nastassja Kinski, que conformó un personaje inolvidable. Una superviviente nata abocada, paradójicamente, a un final trágico.

Durante el rodaje, Unsworth, director de fotografía de particularísimo estilo, falleció dejando mucho de película por rodar. Le suplió Ghislain Cloquet, que supo mantener el tono de Unsworth, solventando la papeleta con nota. Por su parte, la música de Philippe Sarde, en su segunda colaboración con Polanski, redondea el resultado final de una de sus mejores películas.

Francis Ford Coppola estuvo a punto de mutilar la cinta tras hacerse con los derechos para su distribución en EE.UU., para lo cual quería trabajar un nuevo montaje final, pero Polanski pudo echarse atrás a tiempo. Él tenía la razón: Múltiples premios, incluyendo la nominación al Oscar a Mejor Película, avalaron su decisión y su montaje.

#2 - La semilla del diablo

Podría estar en el número 1 de este particular ranking, en una decisión dificilísima, pero finalmente opto por reservarle la segunda plaza. Película de género de innumerables méritos, siendo uno de ellos el hecho de partir de una mediocre novela de Ira Levin que Polanski lleva a su terreno: No era del todo difícil, ya que pudo encontrar muchos elementos que también podemos detectar en otras de sus películas, como Repulsión o El quimérico inquilino.

Todo en este film es puro acierto e inspiración, en todos sus detalles y facetas: Desde la banda sonora, con esa nana inolvidable, que canta la propia Mia Farrow, hasta el ya célebre corte de pelo de Vidal Sassoon que una pálida y ojerosa Farrow muestra durante el tramo final de la película.

Polanski consigue partir de un planteamiento de telefime, con los pintorescos (y sectarios) vecinos, la parejita (con actor en paro incluido) y el deseado embarazo, para desarrollar una trama de alienación, paranoia y puro desestabilizamiento mental, narrándolo desde donde mejor se le da: El punto de vista de su propia protagonista, rehuyendo distancias y seguridades; la ambigüedad como elección formal.

La semilla del diablo no sólo funciona perfectamente como película de género, sino que atesora varias escenas para el recuerdo (como su propio final, con la madre asumiendo finalmente que, sí, ese es su hijo: acunando al hijo del diablo) y fue la madre de una larga ristra de títulos muy conocidos. Película como El exorcista seguramente no existirían sin La semilla del diablo. Influyente hasta la náusea.

#1 - Chinatown

La joya de la corona. Quizá la más perfecta película de Polanski. Mucho se ha hablado del rodaje de Chinatown pero todos sus responsables (desde el productor, Robert Evans, hasta la estrella de la función, Jack Nicholson) insisten siempre en que el ambiente de rodaje, salvo la mala relación entre el director y Faye Dunaway, fue mucho más relajado y cordial de lo habitual en este tipo de superproducciones. Preguntado una y otra vez por la que muchos consideran su obra maestra, Polanski reconoce siempre que Evans le dejó rodar la película tal y como él quiso, con total libertad.

El resultado final de Chinatown no es solo mérito de Polanski. Lo es en gran parte, pero también del estado de gracia de absolutamente todo el equipo: La terrosa fotografía de Alonzo; el guión de Robert Towne, poco menos que una pieza de relojería; la elección de los actores, perfectos todos ellos (incluyendo a un acertadísimo John Huston); la impresionante banda sonora de Jerry Goldsmith (de gran mérito si conocemos que fue compuesta de urgencia, a un par de semanas del estreno); absolutamente todo, y todos.

Chinatown funciona porque no repite los esquemas del clásico film noir que pretende homenajear, sino que reaprovecha sus claves para adulterarlas y desarrollar un relato propio: Donde había sombras, oscuridad, claroscuro y noche, Polanski inunda su película de luz, y rueda gran parte de sus secuencias de día. La paleta de colores se acerca al sepia. Y, ante todo, huye de la teatralidad de los clásicos del cine negro para involucrarse con el personaje protagonista y su mirada: Durante todo el film, vemos justo lo que ve Gittes, el detective interpretado por Nicholson.

De hecho, quizá el recurso más empleado por Polanski es el travelling de seguimiento, mostrándonos todo, a nosotros espectadores, siempre por encima del hombro de Gittes. No aparecemos ya en cada escena, en cada localización, sino que entramos en todas ellas siempre con él, o más exactamente tras él. En definitiva, Polanski opta por traducir en imágenes lo que en literatura identificamos como narración en primera persona.

Y, como trasfondo, el agua (muy presente durante toda la primera parte del film; "más agua aún", llega a musitar en una escena Jack Nicholson) y poco a poco, ganándole terreno, el trasfondo casi maldito del barrio de Chinatown. Una sombra, un recuerdo voluntariamente difuso, que se hace imagen (y tragedia) en la última escena. "Olvídalo, Jake, es Chinatown". Y final. PERFECTO.